全体の構成としては、二部形式。

A［a(冒頭アウフタクト含む1から４小節)+a1(4小節アウフタクトから8小節)］

B［b(8小節アウフタクトから12小節)＋C終結(12小節アウフタクトから14小節)］

 大楽節Aにおいて、小楽節aがほぼ同一反復される構成となっている。aとa1との違いは１小節目１から２拍目が四分音符二つとなっているのに対して、5小節目1から2拍目は二分音符一つとなっている。この些細な違いをどう捉えるべきか。

 例えば、前半４小節は拍感を意識して表現するのに対して、後半４小節は変化した二部音符を軸に捉えて、より伸びやかに大きくフレーズの山を形成するように表現を変えて見てはどうだろう。いずれにせよ、このような小規模の楽曲において、少しでも小さな変化があれば、それを見逃さず、表情の変化への鍵と捉えると豊かな音楽表現へのヒントとなるかもしれない。

 楽曲の構造上特に気をつけたいポイントは大きく分けて二点。

一つ目は大楽節A、左手の伴奏形にある。上声の旋律線とこの伴奏があまりにも近いため、バランスが悪く、伴奏の方が大きく聞こえやすくなってしまう。シーソーのイメージで右手の旋律線を少し重く、左手の伴奏形を少し軽くなどとコントロールできるように工夫して練習した方が良いだろう。

 二つ目は大楽節Bにおいてのフォルテとピアノのデュナーミクの差。音域が異なれば、音色の変化も相まってメリハリがつけやすいが、ここは同じモティーフの同じ音域での反復である。これは一見すると簡単そうに見えるが、音量の差というより、雰囲気自体に変化をつけるつもりで明確に意識しないと、思っているよりメリハリがついていないように聞こえてくるだろう。

 もう一つ注意点を挙げるとすれば、Aの主題での四分音符の同音連打だろうか。Aの主題は、上行するラインと下行するラインによって構成されている。従って、この四分音符を繋がりが感じられないようにハネたり、リズムがバラバラになってしまうと主題が形成している上下行のラインが感じられない。くれぐれも、レガートの指示はないものの、横の繋がりを意識して演奏したい。

 なお、楽譜の冒頭に「☆スタッカートは、みじかくきりすぎないようにしましょう。」という指示があるが、これは短く切りすぎることによる弊害を考えていけば、なぜそれに気を付けるべきかが理解できる。それは、和音やメロディラインが十分に響きを確保できなくなることが想定され、また突然の鋭いスタッカートは楽曲のバランスや雰囲気を崩してしまうことにもなるだろう。

※実際に短く切った場合とそうでない場合を弾き比べてみせることなどを推奨します。指導者の演奏は、常に模範的であるばかりでなく、時にはあえて悪い例を提示することで、生徒の理解を深める方法もあります。